芭蕾是一種輕盈，舒緩，優雅的舞蹈。「芭蕾」起源於義大利，興盛於法國，其部分手勢可追溯至古埃及的祭祀舞蹈。「芭蕾」為法語「ballet」的譯音，它的詞源則是義大利語的「balletto」，為ballo的指小詞，ballo 意為「舞蹈」。

像西方戲劇一樣，早期芭蕾舞是禁止女性參與演出的，所有女角都由男演員反串。但後來此規例獲得放寬，再加上足尖的引入，使芭蕾舞壇成了女性的天下。十八世紀有人便將長裙改短，又將鞋跟去掉，改穿平底軟鞋。「浪漫芭蕾」時期，最有名的兩個舞劇是「仙女」和「吉賽兒」，這時出現了芭蕾硬鞋。柴可夫斯基是芭蕾舞劇音樂創作大師，他創作了「睡美人」、「胡桃鉗」和「天鵝湖」等偉大的古典芭蕾舞劇。

舞鞋——軟底鞋[編輯]

用柔軟的薄皮革或帆布製成，以較緊的包住腳為宜。男演員穿標準舞鞋，個別男演員在表演特定人物時也使用足尖鞋。足尖鞋用以支撐女演員長久地站立和腳尖行走、跑和跳。足尖鞋是在普通舞鞋的鞋尖部分增墊棉花、松香或輕質木楦，並在鞋尖上用線縫衲多次而成。對提高和豐富女子舞蹈的技巧和表現力，塑造浪漫主義芭蕾的輕盈欲飛的仙女和精靈的形象有很大幫助。

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舞蹈


舞蹈是八大藝術之一，是於三度空間中以身體為語言作「心智交流」現象之人體的運動表達藝術，一般有音樂伴奏，以有節奏的動作為主要表現手段的藝術形式。它一般藉助音樂，也藉助其他的道具。舞蹈本身有多元的社會意義及作用，包括運動、社交／求偶、祭祀、禮儀等。 在人類文明起源前，舞蹈

嘻哈街舞（Street Dance,SD），是一種20世紀80年代中在美國發展起來的舞蹈。因為其表演場地主要為馬路邊、廣場上等非正式場合而得到了街舞的名稱。

其最初的開拓者為美國黑人青年，是嘻哈文化的組成部分，但時至今日已經為世界各地的青少年所接受。最初的街舞主要是配合嘻哈音樂所做出的有節奏感的動作，但由於嘻哈音樂自身風格的變化，與之配合的舞蹈也開始發生了變化。而其他一些音樂類型如Funk音樂和靈魂楽(soul)等的興起，導致了新的舞蹈形式的出現，但由於和先前的街舞有許多共同特點，在一般人眼裡它們沒什麼區別。實際上現在街舞是一系列舞蹈形式的總稱，它們的共同特點是肢體擺動幅度較大，對穿著打扮的要求不那麼嚴格。^[1]除了自行表演外，街舞者之間還會組織鬪舞，比較誰的動作難度更高、音樂感更強。雖然很少有機會可以像芭蕾舞那樣在劇院中演出，但是有很多商家在搞促銷時或是在廣告中會邀請舞者表演以增進現場氣氛。很多流行樂歌手，特別是饒舌歌手都會表演街舞，比如麥可·傑克遜就曾多次表演其著名的太空步。^[2]

國標舞中的拉丁舞包括：森巴，倫巴，鬥牛，恰恰，捷舞（牛仔）。國際標準舞，又稱“ 體育舞蹈 ”，原名稱做“ 社交舞 ”，英文為“Ballroom Dancing” ，為歐
洲貴族在宮廷舉行的交誼舞會，法國革命後， Ballroom Dancing 流傳民間至今。第二次世界大戰後，美
國人將該舞蹈散播到全球各地，並形成一股跳舞熱潮，至今不衰。
 

 水袖是中國、朝鮮半島、越南傳統戲劇與舞蹈服裝以及部份道教服裝綴在袖口以的延長部份，有裝飾作用。中國的水袖是縫在袖口，朝鮮的水袖稱為汗衫（한삼），傳統上水袖以針線固定在袖口，可以拆洗，近代起也有使用前另外套上而不縫合的。表演者可以利用水袖做出各種動作，除表達人物思想感情外，還可以增加美感，這種以水袖做動作的技巧稱為水袖功。中國、越南的水袖多為純白色，朝鮮的水袖常以彩色布拼合而成，有些下端是白色，也有純白的。

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    中市土風舞

土風舞，是從英文【folk dance】翻譯而來，它是代表一國的文化、風情、生活習慣、地理氣候以及歷史背景，因此各國有各國的不同的味道，在各國中不同地區也會因為上述的因素而有區別；每個國家都有自己的folk dance，但由於上述說的文化背景的不同，因此他有熱情奔放如美國墨西哥的傳統舞蹈是較激情的，也有一些溫和緩慢如一些歐洲宮廷之舞，這邊簡單列一些土風舞的舞碼如：田納西華士、美國混合舞、德州黃玫瑰、瑞士交換舞、葛萊德宮廷舞等等，都是具有各自特色與風味的土風舞。

來源:  維基百科    http://zh.wikipedia.org/zh-tw/%E6%B0%91%E6%97%8F%E8%88%9E%E8%B9%88

‧什麼是即興?

即席而作，即席演奏，也可以說是一種臨時的表演。

‧什麼是舞蹈即興?

舞蹈即興

　台灣地區較常見的舞蹈介紹

依目前台灣地區流行的民族舞蹈分有；古典舞及民俗舞兩大類。 民俗舞蹈則包含漢族民間舞（大陸秧歌、台灣藝陣）、少數民族舞蹈 （雲南地區、邊疆民族舞蹈、台灣原住民舞蹈）等。

台灣地區現行民族舞蹈教學、創作表演較常見的民族舞蹈項目， 如下列表格說明:

　

　

芭蕾舞是一門需要教師嚴格督導，無法獨自閉門造車的藝術。在初學的漫長養成期中，教師的良莠決定了學生基礎技術的穩固與否，也決定其對芭蕾技術理論的體會程度。在身體認知方面，芭蕾教師所具備的生理解剖學知識及相關資訊，更是深深地影響著學生對芭蕾舞，甚至其他舞蹈形式的理論與技術的認知與發展，因此關係重大。
台灣沒有專業的芭蕾舞學校，只有坊間的舞蹈社、中小學裡的舞蹈班、和大專院校裡的舞蹈科系，在這些訓練機構中，芭蕾舞只是必學的舞蹈技巧之一；但對每個學舞的學生而言，芭蕾舞確實是很重要的基礎養成訓練。因此，任何來自教師的錯誤訊息都將對學生造成誤導，進而影響其學習成效。台灣芭蕾舞教學裡最常見的，也是最明顯的盲點便是對「內側肌」的認知與使用的誤解；而造成此種誤解的最主要原因在於芭蕾教師們對生理解剖學知識的普遍缺乏，和人云亦云、不求甚解的思考模式。
首先，我們必須知道「內側肌」何之所以受到如此多的關注，是由於芭蕾舞技術對「外開」（法文的En dehors或 英文的Turn-out）的嚴格要求。這個動作關係著芭蕾舞美學「肢體向外呈放射性延伸才是美」的訴求，也是芭蕾舞五個基本腳位置的技術理論基礎。

芭蕾舞有關內側肌的迷思

‧芭蕾舞劇介紹

芭蕾舞劇發展至今隨著不同的時期已創作出無數經典作品，而每一齣舞劇皆有其特殊的表現形式，在選材上往往以膾炙人口，家喻戶曉的故事例如神話、傳說、妖仙故事、童話故事為主題。舞劇雖和戲劇一樣具有「開端」「發展」「高潮」「結束」但更有獨特的表現方法是能夠剎那間做時空的轉換視需要可膨脹或濃縮，透過肢體舞蹈動作表演故事情節及情感意境的傳達，更是結合音樂、燈光、佈景、道具、服飾、化妝的舞台藝術。 介紹芭蕾舞劇之前首先了解舞劇的結構，通常一齣舞劇再編排的結構上大致是由獨舞者（Soliste）們的雙人舞（Pas de deux）與舞群（Corps de ballet）的舞蹈串聯而成，最常見可分為一至四幕之舞劇。雙人舞通常指女首席舞者與男首席舞者兩個人的舞蹈，而雙人舞的古典形式即由慢舞（Adage）、炫示部舞（Variation）與結尾部舞（Coda）三部分組成。第一部分慢舞是由男女首席舞者共舞，通常男舞者為扶助角色，扶持著女舞者共舞展現舞蹈技巧，其次炫示部舞為個別的獨舞，指由男女首席舞者各自炫燿舞藝的獨舞，大致先由女首席舞者獨舞再改由男首席舞者獨舞，這一段舞蹈通常採急速而輕盈的快舞來炫示，且大多以跳躍或旋轉的舞步連結展現精湛的舞技。最後進入結尾部舞以男首席舞者為中心與女首席舞者共舞的雙人舞場面，男舞者儘情炫燿快速複雜舞步，通常像旋風般斜走或繞行舞台通常以快速軸轉（Pirouette）為結束。為了使整齣舞劇對於劇情的描素能更加清楚往往會藉由雙人舞形式結構表演中，再適當的地方安排劇情舞步穿插其中，也就是把舞台上的台詞部分以舉動表現,這種舉動稱它為啞劇的舞蹈演出。

舞群（Corps de ballet）的舞蹈，指兩人以上分組在舞台上做幾何圖形隊形的變化，例如三人舞、四人舞、小組群舞等各類型的舞蹈，同時也可製造舞台所需的氣氛，舞群在舞台上適當的位置藉著隊形的變化分化舞蹈來為獨舞者做準備，當獨舞者出現時舞群是不動的，只有雙人舞男女舞者動作和諧為ㄧ時舞群才可以做動作襯托。但二十世紀後，古典舞劇與現代舞劇在舞群的編排已有變化，不再只是背景的襯托已逐漸負起劇中重要的角色。

十五.十六世紀文藝復興運動的,義大利民間舞蹈之後,舞蹈由民間走入宮廷演變成「宮廷芭蕾」(Ballet de Cout),所謂「宮廷芭蕾」,指皇宮貴族的夜間活動,由專業舞蹈教師指導,國王和貴族擔任演出,而舞者都帶著精緻的假面具,在皇宮大廳中表演,觀眾圍繞在大廳三面,居高臨下的觀賞,當時主要內容以希臘、羅馬神話著名的「皇后喜劇芭蕾」, 由四百年前的舞蹈家、音樂家博若瓦葉（Beaujoyeux）根據荷馬史詩《奧得賽》李希爾柯女妖的傳說編成,它在芭蕾史上是第一部有完整故事情節的舞劇，當時的表現形式是以歌唱、朗誦、舞蹈、雜耍混合演出。到了路易十四時創立「皇家舞蹈學院」現今隸屬「巴黎歌劇院」芭蕾開始由宮廷走向劇場，產生了莫里哀的戲劇中通過場面與幕間插舞的結合展示劇情的「芭蕾喜劇」和盧理的歌劇中加入舞蹈場面吸引觀眾的「歌劇芭蕾」等形式，並出現第一批職業舞蹈家。1717年英國舞蹈家約翰.韋佛在《瑪爾斯與維納斯的愛情》中第一次嘗試不再借助歌唱朗誦等方式只以音樂、舞蹈和啞劇的綜合方式敘述故事，可算是情節芭蕾的先驅。

‧浪漫派芭蕾

芭蕾（Ballet）通常指的是「芭蕾舞劇」。它是一種包含舞蹈、音樂、 戲劇、佈景、道具、燈光、服裝的綜合藝術﹔而「芭蕾舞」則是芭蕾舞劇中的舞蹈部分。芭蕾舞強調人體的幾何線條中直線與曲線的和諧﹔其美學與技術要求則訴諸輕盈、優雅、高貴、外開、明確等要素。芭蕾舞的「註冊商標」是硬鞋、短裙（Tutu）、和大雙人舞的表現方式。但這些「註冊商標」是芭蕾舞發展四百多年後的結果，它的最早雛型其實是一種由流行於歐洲宮廷、由身著笨重服飾、腳踩有跟平底鞋的貴族們自娛娛人的社交舞。

芭蕾舞源於義大利—Ballet一字便是源於義大利文的Ballo，是「跳舞」的意思。它的早期形成是十五世紀時，由義大利宮廷舞與街頭遊行表演的混合而成。後來這種表演方式被帶到了法國，規模變得更大、更豪華，並賦予政治涵意。於是，一種以希臘、羅馬神話為內容，融合了舞蹈、音樂、戲劇、及詩歌，場面奢華的展演方式，便被用來炫耀法國宮廷財富，和國家權威的手段。之後，為了更有效地達到這個目的，加上法國皇室（尤其是法王路易十四）全力的支持，芭蕾便在十六世紀和十七世紀之際，逐漸往職業化和劇場化的方向發展。到了十八世紀，芭蕾舞的技術與知識逐漸累積豐富，而其形式也日益規範、標準化。當時，芭蕾舞技術的發展與術語的訂定，幾乎完成掌控在法國人和義大利人手中。

到了十八世紀末，芭蕾被傳到歐洲其他各國及俄國，不久便成了當時皇室貴娛樂與族附庸風雅的必備。也就在那時，正當芭蕾處於「浪漫時期」之末，芭蕾在歐洲逐漸式微。相對的，此消彼長，在法人與義大利人的協助下，在接下來的「古典時期」之際，芭蕾卻在俄國達到了一個發展的高峰。當時由法人馬留士．佩提巴（Marius Petipa）所編排之經典舞碼例如〈天鵝湖〉（Swan Lake, 1877）、〈睡美人〉（Sleeping Beauty, 1890）、〈胡桃鉗〉（The Nutcracker, 1892）等，仍然受到今日觀眾的喜愛，更是當今世界各大芭蕾舞團必備的保留舞碼。

到了二十世紀，芭蕾更隨著歐洲移民而傳往美國、澳洲、加拿大、南非。後來傳播至南美洲，甚至及亞洲各國，包括日本、菲律賓、大陸與台灣。如今，芭蕾已經是一種國際性的表演藝術，而其科學而嚴謹的訓練系統也普遍地被其他舞蹈形式，甚至各種重視美感的運動項目如體操跳水，當作一種基礎的動作訓練。

武功